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English to Italian: Jackson Pollock review – this is art as nervous breakdown ... and it's majestic General field: Art/Literary Detailed field: Art, Arts & Crafts, Painting
Source text - English Jackson Pollock review – this is art as nervous breakdown ... and it's majestic
Tate Liverpool
This revolutionary new exhibition is proof that Pollock’s life after 1950 was not, as has previously been painted, just one long alcoholic crisis
This is the saddest story you will ever see. In 1950, the great American painter Jackson Pollock stood at the peak of his achievement. His dripped and poured and flicked galaxies of colour attain a majestic beauty in such paintings from that year as Lavender Mist, One: Number 31, 1950 and Autumn Rhythm. Pollock was painting at this moment like his contemporary Charlie Parker played sax, in curling arabesques of liberating improvisation that magically end up making beautiful sense.
There is a grace in this art that belies its radical method of creation. Putting canvases on the ground and throwing paint at them seems a recipe for anarchy. Pollock, however, insisted that his art contains “No chaos, dammit!” […]
Tate Liverpool has looked into Pollock’s darkness to reveal undiscovered shades. Its important, in fact revolutionary, new exhibition concentrates not on Pollock’s glory days but his years of supposed decline, from 1951 to his death in a car crash in 1956. After an opening room of “classic” drip paintings, it plunges into a heartbreaking journey among the black, blotted, semi-figurative paintings that are usually seen as symptoms of his tragic decline.
In 1951 Pollock, tortured and stumbling in his private life, shocked and disappointed the New York art world with an exhibition of matted, ugly paintings in an oily black squirted from turkey basters and thickly brushed on to raw canvas that blotted the monotonous blackness. Out of the morass emerge fragments of imagery. Distorted faces, floating breasts, an anguished confrontation of male and female bodies – these paintings tell of a terrible crisis in his life. They are drunken monuments to pain and self-pity.
What this exhibition reveals, to my surprise, is that they also happen to be absolutely terrific paintings, great shattered ruins as wondrous as lost cities. Pollock never had entirely rejected meaningful imagery, even at his most apparently abstract. His early art is dense with mythology and Jungian archetypes. In a rare work that opens this show, he drips paint over a photograph of a mother and child. “I choose to veil the image”, as he put it. In other words, the image is there – meaning is there – always. And in his later paintings it breaks out like a sickness.
Man and woman, love and loathing, sex and death – the themes of these scary nervous breakdowns of paintings are stark. Pollock did not really return to traditional figurative art in 1951. Rather he invented a new kind of drawing, as grandiose and free as the abstract swirls from which it takes shape. His crude faces look as if they were drawn by Frankenstein’s monster with a thick felt-tip pen.
There are no second acts in American lives, claimed F Scott Fitzgerald. But Pollock’s life turns out to have a defiant second act. He lost the jazz player’s grace but found instead the ripeness of the blues. In his big, broken painting Portrait and a Dream, his own face contemplates the fleshy sufferings of his dream life. The chaos takes over, and he watches himself lose.
This exhibition casts a brilliant new light on an American tragedy. It is proof that even as Pollock drifted into the swamp of self-destruction, he plucked the strange fruit hanging from its tangled trees.
Translation - Italian Recensione di Jackson Pollock – questa è arte simile ad un crollo nervoso… ed è magnifica
Tate Liverpool (Liverpool, Regno Unito)
Questa nuova e rivoluzionaria mostra è la prova che la vita di Pollock dopo il 1950 non è stata solo una lunga crisi dettata dall’alcolismo, come era stata precedentemente descritta.
Questa è la storia più triste che potrete mai vedere. Nel 1950, il grande pittore americano Jackson Pollock raggiunge il massimo dei risultati. Le sue galassie di colore gocciolato, colato e schizzato danno origine a una bellezza unica, che è possibile vedere in dipinti di quell’anno come Lavander Mist, One: Number 31, 1950 e Autumn Rhythm. Pollock in questa fase dipinge come il suo contemporaneo Charlie Parker suona il sassofono, creando curvilinei arabeschi frutto di un’improvvisazione liberatoria che, come per magia, finisce per avere un senso bellissimo.
C’è della grazia in quest’arte che contraddice il suo metodo di creazione radicale. Posizionare le tele sul pavimento e lanciargli contro la pittura sembra essere la ricetta per l’anarchia. Tuttavia, Pollock insisteva nel sostenere che la sua arte non conteneva “Nessun caos, dannazione!” […].
La galleria Tate Liverpool ha esaminato il lato oscuro di Pollock per rivelarne sconosciute sfumature. La sua importante, nonché rivoluzionaria, nuova mostra non si concentra sul periodo d’oro di Pollock, ma sui suoi anni di cosiddetto declino, dal 1951 alla sua morte in un incidente stradale nel 1956. La mostra si apre con una stanza di “classici” dipinti con tecnica dripping, per tuffarsi poi in un viaggio mozzafiato tra dipinti neri, “macchiati” e semi-figurativi, che sono solitamente indicati come il simbolo del suo tragico declino.
Nel 1951 Pollock, tormentato e instabile nella sua vita privata, sciocca e delude il mondo dell’arte newyorkese. Realizza una mostra di dipinti opachi, brutti e dal colore nero oleoso, spruzzato con una pipetta da cucina e disteso con pennellate fitte sulla tela bianca, che rompe la monotonia del nero. Da questo pantano emergono frammenti del suo immaginario: facce distorte, seni fluttuanti, un angoscioso confronto di corpi maschili e femminili. Questi dipinti raccontano di una terribile crisi nella sua vita: sono ebbre celebrazioni del dolore e dell’autocommiserazione.
Con mia sorpresa, ciò che questa mostra rivela è che sono anche dipinti straordinari, grandiose rovine desolate tanto fascinose quanto lo sono le città perdute. Pollock non respinge mai completamente l’arte figurativa espressiva, anche nei suoi esempi più apparentemente astratti. La sua arte giovanile è piena di mitologia e archetipi junghiani. Nel raro dipinto che apre questa mostra, fa gocciolare la pittura su una fotografia di una madre con il figlio. “Ho scelto di velare l’immagine”, come lo descrisse lui. In altre parole, l’immagine è lì, nel dipinto, per sempre. E nelle sue opere successive ciò si diffonde come una malattia.
Le tematiche di questi dipinti simili a paurosi crolli nervosi sono estreme e diametralmente opposte: uomo e donna, amore e odio, sesso e morte. Nel 1951 Pollock non torna all’arte figurativa tradizionale, inventa invece una nuova tecnica di disegno, tanto grandiosa e libera quanto lo sono i vortici astratti da cui prende forma. I suoi volti crudi sembrano disegnati dal mostro di Frankenstein con un pennarello a punta grossa.
Non esistono secondi atti nelle vite degli americani, afferma F. Scott Fitzgerald, ma la vita di Pollock sembra avere un secondo atto ribelle. Perde la grazia del musicista jazz e trova invece la maturità del blues. Nel grande dipinto articolato in due parti Portrait and a Dream, il suo volto contempla le sofferenze della carne nella sua vita ideale. Il caos ha il sopravvento e lui guarda se stesso perdere.
Questa mostra getta una nuova e luminosa luce su una tragedia americana. È la prova che Pollock è riuscito a cogliere lo strano frutto appeso agli alberi aggrovigliati nella palude dell’autodistruzione in cui era finito.
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Master's degree - The University of Sheffield
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Years of experience: 7. Registered at ProZ.com: Dec 2016.
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